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martes, 10 de septiembre de 2013
martes, 10 de septiembre de 2013
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Cómo lograr el color piel con pintura al óleo
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Para crear un retrato realista con pintura al óleo, debes dominar los tonos de piel. La gente tiene diferentes tonos de piel, pero todas las variantes contienen ciertos colores específicos. Aprende primero a crear un pigmento básico, un color de piel medio, y luego ajusta los tonos para crear luces y sombras. El valor (la luminosidad), el matiz del color y la intensidad determinan al objeto que se parece cada color. Varía la cantidad, el valor y la intensidad de cada color en la mezcla y serás capaz de igualar cualquier tono de piel.
Necesitarás
- Frasco de vidrio (del tamaño de alimentos para bebés o de pickles, por ejemplo)
- Aguarrás
- Paleta
- Aceite de linaza
Instrucciones
- Llena un cuarto del frasco de vidrio con aguarrás y coloca el pincel dentro de él.
- Aprieta aproximadamente 2 pulgadas (5 centímetros) de cada pigmento sobre la paleta. Coloca los pigmentos en una línea, siguiendo el siguiente orden: blanco de titanio, amarillo de cadmio, cadmio rojo, azul cobalto, amarillo ocre, carmín de alizarina y azul ultramarino.
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Utiliza tu espátula para tomar 1 pulgada (2,5 centímetros) de longitud de la pintura blanca. Deposita la pintura blanca debajo de la línea de pigmentos puros, en tu paleta. Limpia la espátula raspando en el borde de tu paleta. - Recoge una media pulgada de pintura amarilla con la espátula. Unta en la parte superior de los blancos. Mezcla los dos colores juntos, presionando sobre ellos con el cuchillo.
- Toma una cantidad muy pequeña (aproximadamente 1/3 de la cantidad de pintura amarilla que habías usado) de pintura roja. Usa un rojo de cadmio para la piel madura, piel expuesta al sol o carmesí para un cutis joven y pálido. Mezcla el rojo con el blanco y el amarillo.
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Añade una gota del tamaño de un guisante, del color azul cobalto a la mezcla. Mezcla bien todos los colores, juntando todos los colores con la espátula. Este es el color piel básico. - Coge un poco de la mezcla de color piel con la espátula y ponlo en la espátula. Agrégale un poco más de la pintura blanca. Mezcla bien. Usa este color para las zonas iluminadas.
- Coge una pequeña cantidad de la mezcla de color piel y, a continuación, agrega un poquito de azul marino. Mezcla los colores bien con tu espátula. Coge un poco de ocre amarillo y mézclalo. Usa este color para las zonas de sombra.
- Retira el pincel del frasco con aguarrás y presiona las cerdas contra el frasco para eliminar el exceso de líquido.
- Añade una o dos gotas de aceite de linaza a cada una de tus tres mezclas de tonos de pie. Sumerge tu pincel en el primer color "básico" de piel. Pinta el color en el lienzo. Continúa pintando hasta que hayas utilizado la mayor parte de la pintura en el pincel.
- Agita el cepillo en la solución de aguarrás para limpiarlo. Una vez más, aprieta el cepillo contra el recipiente, para sacar cualquier exceso de aguarrás o de pintura.
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Recoge un poco de pintura "iluminada" de color piel con tu pincel. Pinta los tonos de piel más claros con este color, hasta que toda la pintura se deposite sobre la tela. Coge un poco del tono "sombra" y pinta al lado de los otros dos colores. Has conseguido un tono básico para el color piel, con uno más claro para iluminar y otro, más oscuro, para las sombras.Agrega una pequeña cantidad de color rojo para calentar el tono de la piel o azul ultramarino para enfriarlo.
Utiliza amarillo ocre o siena tostado para lograr una piel oscura, en sustitución del cadmio amarillo.
lunes, 2 de septiembre de 2013
lunes, 2 de septiembre de 2013
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"¿Cómo pudo hacer eso?"
Ésta debe haber sido una de las preguntas más frecuentes que se originara después de ver la obra de Karla Mialynne. Con el fin de despejar todas y cada una de las dudas, la artista retrató todas las herramientas que utilizó en cada obra junto al resultado final. Se puede notar que Karla utiliza para crear sus dibujos mayormente lápices de acuarela, marcadores de colores y pintura acrílica .
Un regalo para los curiosos
Ésta debe haber sido una de las preguntas más frecuentes que se originara después de ver la obra de Karla Mialynne. Con el fin de despejar todas y cada una de las dudas, la artista retrató todas las herramientas que utilizó en cada obra junto al resultado final. Se puede notar que Karla utiliza para crear sus dibujos mayormente lápices de acuarela, marcadores de colores y pintura acrílica .
Un regalo para los curiosos
martes, 27 de agosto de 2013
martes, 27 de agosto de 2013
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Rodrigo Valencia Q. Pintor, nacido en Popayán, Colombia (1949), autodidacta. Fue profesor en la Facultad de Artes de la Universidad del Cauca, Popayán, entre 1978 y 1992. Expone en forma individual y colectiva desde 1975.De estilo cambiante, su obra transita por terrenos surreales, metafísicos, oníricos y simbólicos; sugiere un mundo anecdótico, portal a una otredad dimensional, intimista, poética, lugar y materia plástica de la imaginación. Un cuadro de Rodrigo Valencia Q debe tener el mínimo poder para abrir la imaginación del espectador hacia paisajes existenciales en busca de definición y nexos con lo espiritual; debe procurar cierto estadio estético contemplativo probable, más allá del evento corriente de la realidad factual. Rodrigo ha publicado algunos libros de poesía (El Silabario Perdido, El Tiempo del Deseo, El Instante Abandonado, Los cuadros del Pintor), y también artículos en la prensa y en algunas revistas literarias.
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| El oficiante |
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| Él cuidaba la noche |
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| Soliloquios del poeta |
Web: www.rodrigovalencia.net
mail: rvq12@hotmail.com
domingo, 7 de julio de 2013
domingo, 7 de julio de 2013
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Si sumamos las cualidades del óleo y su permanencia en fresco a la técnica depurada de un pintor como Duane Keiser podremos disfrutar de la evolución de un mismo cuadro como si se tratara de una secuencia temporal tomada mediante Time Lapse. Más abajo pueden ver el video Yolk (yema de huevo) que nos ha dejado como muestra de su trabajo.
Duane Keiser estudió pintura con Ray Berry de Randolph-Macon College en Ashland, Virginia (1984-1988) y Lennart Anderson en el Brooklyn College de Nueva York (1988-1990). Su blog llamado "Una pintura de un día" se ha hecho famoso en numerosas publicaciones , incluyendo EE.UU. Today y el New York Times. Es famoso por el uso de un caballete improvisado hecho con una caja de puros, y la relización de una pintura en tamaño postal cada día que luego es subida a su blog donde los coleccionistas pueden pujar por ellas a través de eBay (el proyecto está en marcha y se puede ver aquí.)
Ha expuesto en Fischbach Gallery, Allan Stone Gallery y, más recientemente, en la Academia de Arte de Nueva York.
Su trabajo se encuentra en varias colecciones corporativas y cientos de colecciones privadas de todo el mundo, incluyendo el Peterson Colección Gregory.
En 2009 recibió una beca de la Fundación Richard Estes
Actualmente vive y trabaja en Richmond, Virginia.
Colaboración de Marta B. Sarabia
miércoles, 26 de junio de 2013
miércoles, 26 de junio de 2013
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Ya desde el uso de la cámara oscura inventada por el matemático árabe Alhacén, nacido en 965, que permitía proyectar una imagen sobre papel u otro soporte permitiendo servir de pauta para dibujar sobre ella, artistas del calibre de Jan Vermeer o el mismísimo Leonardo, la han usado para mantener bajo control el tema de las proporciones y el detalle.
Ya en la actualidad y gracias a la tecnología, son muchos los que han adoptado un método similar pero más moderno para ampliar imágenes sin perder las proporciones ni el detalle.
Según el pintor Fernando Vila Ruiz "La técnica hiperrealista consiste principalmente en la pintura realizada a partir de la proyección de una fotografía en forma de diapositiva sobre un lienzo (con un videoproyector, retro, proyector de diapositivas o cualquier otro medio informático). Es una técnica de copiado fácil y precisa aunque requiere un trabajo lento y elaborado, partiendo de colores muy diluidos y metiendo poco a poco capas de color.. Para mí los mejores hiperrealistas son aquellos que ponen algo más en sus cuadros que la simple y objetiva realidad observada, esto es, reflejos en cristales como el pintor Richard Estes, ilusión de profundidad como el artista Antonio López y a veces aspectos filosóficos, místicos o psicológicos como otros artistas contemporáneos . Muchas personas piensan que una pintura tan objetiva y tan próxima a la realidad observada es demasiado artificial, por ejemplo técnicamente se aleja demasiado de la expresión interna aunque subjetiva de las emociones del artista. Se dice que para eso está la fotografía, que es fiel reflejo de la realidad, de la instantánea de un momento. Por eso yo siempre he pintado tratando de encontrar el termino medio entre lo real por figurativo y lo emocional por abstracto y me he decantado por una pintura "a la prima" esto es, una pintura directa con una gran carga expresiva."
Sin duda existen una gran cantidad de pintores que pueden mostrarnos su proceso de trabajo desde el mismo inicio sin utilizar ningún apoyo tecnológico de este tipo, aunque si lo pensamos un poco, hasta un mero pincel es un elemento tecnológico y es en definitiva el uso que de él se haga lo que lo convierte en algo útil o no.
Pero para quienes desean hacer un impecable trabajo hiperrealista lo normal y necesario es que se base en una fotografía, o impresión digital, en el caso de querer pintar paisajes, escenas en exteriores o retratos, pues la luz cambia constantemente y por lo tanto los colores también.
En el caso de pintar naturalezas muertas u objetos inanimados, pueden pintarse al natural, siempre y cuando se tenga la luz controlada (en interiores) y no se muevan los objetos.
Primero se requiere poner un fondeo de un color "neutro" (no se trata del neutro que dicen los diseñadores que son el negro, el blanco o el gris, sino del neutro que se define en un cuadro como color de fondo). Generalmente se utiliza el amarillo mostaza, pues se asemeja mucho a los tonos que se necesitan para la piel.
Sobre esa base, se pone el dibujo. Cuando el formato es pequeño, hay quienes calcan una impresión sobre la superficie a pintar, y cuando el formato es mayor a una hoja carta, se puede ayudar mediante una cuadrícula, con la que se puede traspasar el dibujo. Cuando se trata de dibujar una composición al natural, otros prefieren utilizar un marco al cual se le agrega una retícula hecha con hilos.
También se puede ayudar con un proyector, lo cual le evitaría demasiadas molestias.
Pero como siempre lo más difícil es pintar.
Es falso que la clave esté únicamente en pintar con un proyector, pues el tono de la pintura varía sensiblemente al estar sometida a la luz coloreada del mismo. Además de que para que pueda ver con nitidez la imagen del proyector necesitará pintar en la obscuridad. Eso es súmamente díficil. Así que su utilidad se resume a la definición de proporciones y contornos.
Y también es falso que el talento sea lo más importante. Lo más importante es el trabajo constante. Si tiene talento está bien, pero los pintores más importantes de la historia generalmente han carecido de talento y se han hecho a base de disciplina, trabajo y estudio constante.
http://www.art-is-fun.com/art-projector.html
En el caso de pintar naturalezas muertas u objetos inanimados, pueden pintarse al natural, siempre y cuando se tenga la luz controlada (en interiores) y no se muevan los objetos.
Primero se requiere poner un fondeo de un color "neutro" (no se trata del neutro que dicen los diseñadores que son el negro, el blanco o el gris, sino del neutro que se define en un cuadro como color de fondo). Generalmente se utiliza el amarillo mostaza, pues se asemeja mucho a los tonos que se necesitan para la piel.
Sobre esa base, se pone el dibujo. Cuando el formato es pequeño, hay quienes calcan una impresión sobre la superficie a pintar, y cuando el formato es mayor a una hoja carta, se puede ayudar mediante una cuadrícula, con la que se puede traspasar el dibujo. Cuando se trata de dibujar una composición al natural, otros prefieren utilizar un marco al cual se le agrega una retícula hecha con hilos.
También se puede ayudar con un proyector, lo cual le evitaría demasiadas molestias.
Pero como siempre lo más difícil es pintar.
Es falso que la clave esté únicamente en pintar con un proyector, pues el tono de la pintura varía sensiblemente al estar sometida a la luz coloreada del mismo. Además de que para que pueda ver con nitidez la imagen del proyector necesitará pintar en la obscuridad. Eso es súmamente díficil. Así que su utilidad se resume a la definición de proporciones y contornos.
Y también es falso que el talento sea lo más importante. Lo más importante es el trabajo constante. Si tiene talento está bien, pero los pintores más importantes de la historia generalmente han carecido de talento y se han hecho a base de disciplina, trabajo y estudio constante.
http://www.art-is-fun.com/art-projector.html
martes, 18 de junio de 2013
martes, 18 de junio de 2013
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Le Dejeuner des canotiers
Paleta de Renoir
En su Elementos de Dibujo John Ruskin decía en 1857 que a propósito del dónde y cómo se coloca el color se puede transmitir la emoción, la psicología y la significación religiosa “En un valor total de lo que está a punto”. Si el color está mal, todo está mal; así como si hablamos del canto, cantar notas falsas, no importando lo hermoso de la letra, arruina la canción en su totalidad.
Chahut
Paleta de George Seurat
El observador especializado podrá observar, por ejemplo, que en la paleta de Seurat se vislumbra un apego rígido a la teoría del color, obedeciendo la teoría de Cheuvreul. Su opinión expresa que los colores básicos, rojo, amarillo y azul alcanzan el ojo con longitudes de onda diferentes y se mezclan en la retina del ojo. En consecuencia Seurat mantuvo esos pigmentos en la paleta, que son los que crean la impresión de efervescencia de luz en el propio lienzo. No encontrará el negro, debido a que fuera declarado ilegal, pues los físicos lo habían definido como la no-luz.
Ballet Rehearsal on the set
Paleta de Degas
La paleta de Degas en los principios de su carrera estaba plagada de tonos terrosos comunes a la tradición holandesa. Con el tiempo se aligeró considerablemente hasta llegar hasta sus últimos años.
Si bien existen varias reglas para ocupar la paleta, unos prefieren ir del claro al oscuro, como una rueda de colores; ordenar como paleta de tres colores y negro, etc. pero la mayoría de los artistas prefieren comenzar alineando pigmentos en la parte superior y dejar el resto del espacio para la mezcla.
Algunos artistas siguen a Whistler, quién creía que la gestión de la paleta era la base de la buena pintura, otros se adhieren a la teoría del color de Isaac Newton.
Instrucciones 1885
Este dibujo a tinta bellamente adornado de 1845 muestra un método, incluidas las instrucciones de "uso ocre oxford para cortinas".
Hay quienes preparan con anticipación la paleta de color que usarán, mientras otros van agregando colores en al medida que sus necesidades lo requieren.
Libertad guiando al pueblo
Paleta de Delacroix
En su diario de 1850 Delacroix señaló “Mi paleta recién preparada, brillante de colores contrastantes es suficiente razón como para abandonarme a todo mi entusiasmo” . El artista francés era meticuloso a la hora de preparar su paleta y cuando algo le resultaba mal era capaz de llevarse la misma a la cama y pasar el día entero mezclando nuevos matices.
Edipo y la esfinge
Paleta de Moreau
De Gustave Moreau, opinó Charles Blanc, en Le Temps, en 1881: "Uno tendría que acuñar una nueva palabra para la ocasión si se quiere caracterizar el talento de Gustave Moreau. La palabra Colorismo, por ejemplo, que bien podría transmitir todo lo que es excesivo, soberbio y prodigioso en su amor por el color. ... Es como si se estuviera en presencia de un iluminador que había sido joyero antes de convertirse en pintor y que, tras haber cedido a la embriaguez del color, tomara rubíes del suelo, zafiros, esmeraldas, topacios, ópalos, perlas y nácar para compensar su paleta ".
Cuentos primitivos
Paleta de Gauguin
Gauguin creía en el color puro. Todo debería ser sacrificado a él. Sin embargo su paleta, en general, silenciaba el tono, colocando los colores muy próximos entre sí. En la paleta portátil encontrada en su estudio de pintura después de su muerte, da la impresión que Gauguin no colocaba sus colores en un orden particular. Tampoco parece que haya limpiado nunca su paleta y en su lugar mezcla colores frescos sobre la vieja pintura seca.
Paul Sérusier en 1888, insistía en que el joven estudiante debía olvidar los colores convencionales tal como la academia de arte los venía enseñando. En cambio, decía, la pintura debe tener los colores que usted tiene frente a usted. “¿Cómo ve ese árbol? ¿Verde? Pues bien eso convierte en verde los mejores campos de su paleta. ¿Cómo ve los árboles? ¿Amarillos? Pues bien incluya el amarillo. Y la sombra es mas bien azul. Así que incluya azul ultramar puro. ¿Esas hojas rojas?. Use bermellón”.
Monet estaba tan familiarizado con el contenido de su paleta como un pianista con las teclas del piano. Aún cuando su paleta cambiaba con el tiempo. Rembrandt creó sus retratos con una paleta pequeña de pocos colores dónde dominan los tonos tierra oscura y reflejos dorados. Recuerde que el número de pigmentos a disposición del artista del siglo 17 era minúsculo en comparación con los disponibles en la actualidad. Menos de 20 pigmentos se han detectado en la obra de Vermeer. En el inventario de 1676 de la casa póstuma de Vermeer, en el salón del primer piso de la Oude Langendijk, figuran "eesels Schilders twee, Drye paletten", “dos caballetes de pintor, tres paletas". Eso era todo.
Los Lirios
Paleta de Van Gogh
En una carta a su hermano Theo en 1882, Vincent Van Gogh escribió: "No hay más que tres colores fundamentales - rojo, amarillo y azul, con materiales compuestos como son el color naranja, verde y morado. Mediante la adición de negro y blanco se obtiene una infinita variedad de grises - gris rojo, amarillo, gris, azul-gris, verde-gris, gris-naranja, gris-violeta. Es imposible decir, por ejemplo, cuántos verdes-grises existen, hay una variedad sin fin. Pero toda la química de los colores no es más complicada que las reglas más simples. Y tener una noción clara de esto da un valor de más de 70 colores diferentes de pintura - porque con esos tres colores principales y blanco y negro, se pueden hacer más de 70 tonos y variedades. El colorista es la persona que sabe de inmediato cómo analizar un color cuando lo ve en la naturaleza, y puede decir, por ejemplo: que el verde-gris es de color amarillo con negro y azul, etc, En otras palabras, alguien que sepa cómo es posible encontrar los grises de la naturaleza en su paleta ".
Es agradable encontrar este tipo de materiales resguardados de la mano del tiempo y en posesión de quienes parecen apreciarlos. Lamentablemente las crisis han llevado a muchos coleccionistas a deshacerse de ellos y es posible obtener este tipo de material a muy bajo costo en las clásicas casas de remate.
Aquí les dejo un video que trata sobre la forma recomendada clásica de preparar la paleta con una base de teoría del color.
Fuente: Nota periodística de Lucy Davies
Cabecera: Paleta de pintor siglo XIX
sábado, 15 de junio de 2013
sábado, 15 de junio de 2013
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Impulso Agrupación de Gente de Arte y Letras invita a artistas plásticos que deseen participar de la muestra colectiva
"Salón de Invierno – Homenaje a Onofrio Pacenza”
que se inaugura el sábado 29 de junio a las 17,30 hs. y se extenderá hasta el 18 de julio en su sede de la calle Lamadrid 355,
La Boca del Riachuelo, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.
Bases:
- La técnica y temática de las pinturas es libre y deberán estar listas para colgar (con pitones y alambres).
- La medida será de un máximo de 1 metro de base incluido el marco, sin excepción.
- El costo de inscripción es de $40 para socios y $80 para no socios, destinados al montaje de la muestra, impresión de catálogos, difusión y vernissage. Se aceptará únicamente una obra por artista.
- El día de entrega de la obra el artista deberá completar una ficha con sus datos personales y los de su obra (título, técnica, medidas y precio de venta). En caso de venta Impulso retendrá un 20% del valor en concepto de comisión.
- IMPULSO velará por la buena conservación de las obras, en ningún caso responderá por los deterioros, destrucción, pérdida o robo de las mismas.
- La participación en esta exposición supone la aceptación de las bases.
Días y Horario de recepción de obras para la muestra:
Sábado 15 de junio de 17 a 19 hs.; Sábado 22 de junio de 11 a 14 hs. y de 17 a 19 hs.; Martes 25, Miércoles 26, Jueves 27 de junio de 17 a 19 hs.;
Viernes 28 de junio de 11 a 13 hs.
Horario de exposición durante la muestra en el Salón
"Fortunato Lacámera":
Martes a sábado de 17 a 19 hs.
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